Le mérite de Bouba Landrille Tchouda dans cette création  est de permettre à chaque spectateur de faire fonctionner son imaginaire : on pourra y voir tour à tour la morne frénésie de la vie moderne, où chacun se côtoie sans se voir,  l’espoir d’arriver un jour à décrocher la lune pour y échapper, ou encore le poids écrasant d’une vie toute tracée que rien ne semble pouvoir perturber, et pourtant…  A chaque fois, c’est lorsque les danseurs se regardent et s’unissent que tout bascule et semble possible.

Une création franco-brésilienne loin des attendus
Le chorégraphe a su mêler subtilement le hip-hop, la capoeira et la danse contemporaine pour créer un style totalement inédit, et, en s’émancipant des carcans propres à chaque genre, a réussi à tirer la substance de toutes ces influences, servies par un jeu de lumière et une musique qui jouent un rôle central et subliment les corps. Du Brésil où il a monté ce spectacle, seuls de lointains échos subsistent, quelques flashs, qui nous font ensuite faire un détour par l’Argentine, lors d’un tango revisité curieusement euphorisant.

“Un jour viendra où l’ascenseur de nos espérances s’arrêtera à notre étage”… En attendant ce jour, Bouba Landrille Tchouda et la compagnie Malka continueront à grimper et parviendront – qui sait?-  à décrocher la lune…

Même si le décor est le même, le texte aussi, la représentation diffère. Jan Fabre crée ici un solo qui se déploie magnifiquement dans l’espace scénique, au milieu de tas de charbons, les petits trains électriques tournent dans une mécanique incessante vers des chemins clos. Alors que des oiseaux en cages tournoient dans les airs, la comédienne erre entre ces deux espaces comme dans les limbes.

Jan Fabre prend pour point de départ de sa narration la célèbre chanson de Bobbie Gentry « Ode to Billy Joe» écrite en 1967. Billy Joe a sauté du pond…
Another Sleepy Dusty Delta Day, c’est la lecture de ce suicide, qui nous est permise d’entendre par une lettre laissée à sa compagne, sa princesse, son amour secret.

Du rêve au cauchemar
Jan Fabre aborde dans cette pièce des thèmes sombres et lumineux à la fois. Avec une cruauté et une perdition remarquables, la comédienne seule en scène arrive à nous transporter dans les fracas de l’amour secret, de l’abandon et de la folie de sa vie inavouée. Le texte de Another Sleepy Dusty Delta Day est écrit sous la forme d’une lettre d’un homme à sa bien-aimée. Il en résulte une réflexion sur le pouvoir de disposer de sa propre vie et de sa propre mort. Un pamphlet sur la bravoure de décider la mort.

Entre empathie et gêne, le spectateur assiste impuissant à la réception de cette lettre et ne peut que regarder les conséquences de sa lecture sur cette jeune fille. Et c’est là que malgré l’énergie déployée par la nouvelle égérie du metteur en scène, Artemis Stavridi on constate qu’elle ne dispose pas aussi bien de l’espace scénique que de sa précurseuse Ivana Jozic. Bien que le rôle et la chorégraphie ont été reformulés pour cette jeune comédienne, ce qui ont eux la chance de voir la première version constateront sûrement d’une perte. Mais pour le nouveau public, cette pièce sera l’occasion de réfléchir sur la question métaphysique de la vie et de se délecter de la performance d’Artemis Stavridi qui investit tout de même de folie et énergie les planche du théâtre.

Un jeune homme marche le long des quais parisiens de la Seine. Chez les bouquinistes, il découvre un livre, le mythe d’Orphée. Le poète descendu aux enfers pour récupérer son Eurydice, c’est lui aussi.
On entre dans les chapitres de l’histoire, comme on se laisse emmener dans une farandole. Une quinzaine de danseurs, chanteurs et musiciens, petits, grands, équilibristes, handicapés, asiatiques, africains, blancs, métissés, breakeurs, classiques… sautent, virevoltent, chahutent, chantent, se meuvent avec technique et grâce au fil des tableaux. Comme à leur habitude José Montalvo et Dominique Hervieu offrent un spectacle bigarré et baroque où tout se mélange, sans que l’on se choque de cet étrange canevas.

crédit photo Laurent Philippe

Une descente au paradis
On a du mal à retrouver les exploits d’Orphée, sinon par quelques bribes de texte en début de chapitre, l’idée pour les chorégraphes-scénographes étant davantage de développer les thèmes reliés à ce classique de la mythologie grecque : l’animalité, l’amour, la séparation, les pulsions de vie et de mort. Comme « c’est le privilège des légendes d’être sans âge » – annonce une voix féminine – la polyphonie des époques et des genres est donc pratiquée sans complexe. Et l’on se délecte des notes de Monteverdi ou de Gluck s’entrelaçant avec les rythmes brésiliens, ou des chants lyriques qui dialoguent avec l’Afrique. On se surprend à sourire de ces étonnantes et fantaisistes vidéos d’animaux, de peintures classiques, de danseurs filmés en gros plans et projetés sur un fond de décor unique.

Ici, les pas de deux côtoient les figures de hip-hop et les valides dansent avec les handicapés. Une bonne claque flanquée au spectateur souvent pétri de préjugés sur l’infirmité. Brahem Aïache, unijambiste de 20 ans, redéfinit le hip-hop au sol. Ses béquilles ne sont pas un appareillage, mais des parties de lui-même. Ses chorégraphies seules ou en duo avec l’échassier-acrobate Karim Randé du Cirque du Soleil ou Babacar Cissé, sont magistrales et d’une bouleversante intensité. Cet Orphée, empreint de fragilité, de puissance et d’humour, est l’un des spectacles les plus aboutis de Montalvo-Hervieu. Une heure quinze de descente… au paradis !

Les oiseaux font leur show… De vraies bêtes de scène qui réinventent le mouvement et font des chorégraphies une magie où le temps se suspend l’espace d’un vol. Vous n’avez jamais prêté attention aux potentiels artistiques des corneilles ou des étourneaux? La Confidence des oiseaux met en lumière ces anonymes ailés qui se prêtent au jeu en compagnie des danseurs. Duo émouvant, loin de la rigueur d’une mise en scène millimétrée, les oiseaux occupent la scène dans un laisser-aller qui flirte avec le sublime. Parfaite complicité avec les danseurs, chacun à l’écoute de l’autre dans un équilibre où le public retient son souffle pour ne pas briser la grâce…

crédit Alain Julien

A tire-d’aile
Rencontre imprévue à mi chemin entre les humains et le monde animal. La scène devient cet espace du possible où se réunissent les protagonistes d’un fabuleux ballet. Deux danseuses sortent des coulisses comme des créatures de la forêt. Pas de costumes lourds et colorés. Elles ne sont vêtues que de maquillage comme un camouflage aidant à se fondre dans la nature. Des perchoirs accrochés en guise d’ailes, elles, les humaines condamnées au sol et défiant la pesanteur de leurs mouvements gracieux. La musique revient à la source des sonorités pour ne pas étouffer le mouvement de complexités mélodiques. Le public attend les vraies vedettes du spectacle. Les geais font leur apparition. Pas de trac ni d’hésitation. Ils entrent en scène comme une évidence. Le jeu commence avec les danseuses qui les guident et leur laissent une voie royale pour réaliser leur parade. La délicatesse des mouvements répond à la légèreté de leurs partenaires ailés qui sautent d’un perchoir à un autre, esquissent un rapide envol avant de s’amuser à sautiller sur scène. Ils se retirent sur la pointe des pattes pour laisser l’espace aux danseurs.

Anthropomorphisme émouvant de l’homme qui tente de mimer ces oiseaux. Les bras deviennent des ailes le temps d’une chorégraphie. Quant aux oiseaux, loin de narguer les danseurs de leurs ailes, ils s’amusent à marcher comme la splendide corneille qui déambule sur scène avec une assurance de Bonaparte occupant le territoire. Duo sensuel où la corneille parcourt le corps du danseur sans prise de bec. Les tableaux s’enchaînent, la magie s’égraine. La nuée de calopsittes qui vole au-dessus des têtes des spectateurs procure un délicieux vertige, une émotion infinie. Chaque oiseau y va de son chant (car non seulement ils dansent mais ils chantent, va sans dire, en artistes complets). Les pies font les chipies, les étourneaux jouent à la diva en prenant leur bain sur scène, les perruches de Pennant glissent sur l’air en apparition irréelle dans le faisceau de lumière. La performance laisse sans voix face à l’esthétisme céleste qui fascine la salle plongée dans une profonde sérénité. Derrière le spectacle se cache le travail fabuleux de Luc Petton et de ses oiseleurs, dresseurs de génie qui ont apprivoisé oiseaux… et danseurs pour nous offrir un spectacle de poésie onirique.

Tout est délicatesse et précision dans le travail d’Akram Khan qui a été formé au khatak dès son plus jeune âge auprès du maître Sri Pratap Pawar. Après avoir notamment travaillé avec Peter Brook, il fonde sa propre compagnie en 2000 avec laquelle il crée Zero degrees en collaboration avec Sidi Larbi Cherkaoui, le sculpteur Antony Gormley et le compositeur Nitin Sawney. Adepte de rencontres et d’échanges, il partage en 2006 la scène avec Sylvie Guillem pour Sacred Monsters, puis avec Juliette Binoche en 2008 sur IN-I.

Grâce, fluidité et précision
Avec Gnosis, Akram Khan opère un retour aux sources du katahk, cette danse indienne narrative faisant le pont entre sacré et profane. Conçu avec la danseuse Gauri Sharma Triparthi, le spectacle rend hommage à différentes figures de la culture indienne traditionnelle.

L’ouverture se fait sur le rythme doux des percussions taiko (instrument traditionnel japonais) tandis qu’Akram Khan fait son entrée, des clochettes aux chevilles marquant doucement le rythme de ses pas. Une violoncelliste, des chanteurs, joueurs de tabla et de sarod (instruments traditionnels indiens) viennent compléter ce dispositif scénique fascinant dans lequel le spectateur est instantanément happé.

Entre mythologie hindouiste et danse contemporain, le danseur prend majestueusement possession de son corps et de l’espace qui l’entoure par le biais d’une danse de paradoxe alternant entre pirouettes rapides, ondulations délicates et postures figées. Akram Khan clos la première partie du spectacle par une séance d’improvisation mettant en lumière l’écoute et l’échange entre le danseur, devenu l’espace d’un moment chanteur, et ses musiciens. Le dialogue entre le corps et les instruments devient évident et toute la notion de « conversation » du khatak se fait palpable. En plus de ses multiples talents, Akram Khan se révèle pédagogue.

La deuxième partie du spectacle s’appuie sur la délicatesse et le chant cristallin de Yoshie Suhanata que l’on a découvert aux percussions taiko dans la première partie. La puissance du solo cède le pas à la grâce et à la sensualité du duo.

A la fois accessible et captivant, Gnosis plonge le spectateur dans une transe méditative, à l’image des dix dernières secondes du spectacle, qui le poursuit un moment.

© michel cavalca

Adepte de la danse urbaine, Stéphanie Nataf mélange les genres, entre danse, musique électro et visions numériques dans son spectacle très inspiré Zou (11 et 12 mai). A voir aussi, le slameur D’de Kabal qui raconte, aux côtés du chorégraphe Farid Berki, la culture hip-hop ancrée dans une histoire, des valeurs et de pensées fortes (Les enfants perdus, du 17 au 20 mai).

Cette programmation de qualité mettra aussi sous les feux des projecteurs les gagnants du concours hip-hop de la ville (14 mai) et de jeunes Montreuillois qui, encadrés par Mourad Merzouki, présenteront au public l’aboutissement de leur travail (7 et 8 mai). A ne pas louper non plus : les deux soirées docu au Cinéma Méliès (4 et 9 mai), pour en savoir plus sur les origines de cette danse qui nous fait marcher sur la tête.

Festival hip-hop et slam, du 3 au 20 mai, Nouveau Théâtre de Montreuil. Tarifs de 6 à 19 euros 01.48.70.48.90.

site web

Le spectacle débute avec les quatre musiciens et le chanteur qui entrent sur scène en tapant chacun en rythme une canne sur le sol pour accompagner les danseurs, Melinda Sala et Julian Vicente alias « Kuky ». Puis musiques en chœur ou en solo se mêlent avec les danses endiablées. Durant tout le spectacle, les palmas accompagnent les danses flamencas.

La voix rauque de Luis de la Carrasca est empreinte d’émotion, de souffrance et sa tessiture vocale est plus dans la gravité et la profondeur que dans la force. Les corps tendus d’émotions de Melinda Sala et Kuky vibrent en rythme avec les taconeos. Une touche « classique » est apportée au spectacle. Marier le violon, avec Pascal Delalée, et le piano, avec Manolo Santiago, dans un spectacle de Flamenco n’est pas l’approche la plus courante. Cela tranche avec le Flamenco traditionnel où seuls le chant, la danse et la guitare rivalisent de concert. Le cajon, percussion péruvienne, avait été apporté par le biais du percussionniste brésilien Rubem Dantas et du célèbre guitariste Paco de Lucia dans les années 70.

Cannes et talons… en joue !
Le spectacle casse donc avec les fondamentaux du Flamenco même si la guitare, avec José Luis Dominguez, est toujours aussi présente et donne au spectacle une couleur chaude, profonde et le cajon, avec Enrique Santiago, une rythmique sur laquelle viennent se greffer les taconeos. On frôle parfois le spectacle musical noyant par intermittence les danses flamencas dans des solos instrumentaux. D’une danse aux allures chaudes et sensuelles, le violon et le piano apportent une touche fraîche au Flamenco. Le jeu de Melinda Sala est à cheval entre sensualité et force. Par des mouvements de corps, elle impose à sa danse un flamenco très présent et corporel. Sa danse est soutenue par un regard plongeant qui semble défier le spectateur. La sensualité est au rendez-vous avec un jeu de taconeo d’attaque et soutenu par des mouvements amples des bras. Kuky nous amène dans un rythme fait de tension où les déhanchements et le jeu de jambes et de bras cohabitent avec beaucoup de grâce. Le danseur a des mouvements rapides, fait de cassures de rythme. Chez lui, tout est élancé vers le haut, rapide vers le bas. Flamenco siempre est un spectacle au confluent de la modernité et de la tradition où le violon accompagne le taconeo et la grâce le talent.

C’est un cauchemar. Parmi les pires que chaque homme redoute et abhorre au cours d’une vie nocturne mouvementée. Pris au piège dans une boîte (sa chambre, la tombe qui le guette, la cellule d’une prison…), le dormeur cherche à s’évader, à sortir du gouffre. Mais il n’a pas le dessus, il ne voit pas l’issue. La tension monte d’un cran lorsqu’un plafond descend d’un niveau, puis d’un autre, filant sa victime pour la presser, la pressurer, l’oppresser… La pression atteint son paroxysme, jusqu’au réveil en sursaut du dormeur paniqué. La délivrance.

Crédit photo Frédéric Stoll

Créature robotisée
Dans « Press », le public revit la scène, les yeux ouverts. Il assiste au calvaire du danseur et chorégraphe, Pierre Rigal, dont les gestes millimétrés et déshumanisés rappellent par moments ceux d’un animal en cage, d’une créature engluée dans la toile subissant le supplice ultime. Comment va-t-il se sortir de cette impasse ? Peut-il échapper à son destin (mortel) ? Son heure a sonné. Enfermé dans une petite boîte rectangulaire, une ingénieuse installation mécanique conçue par le machiniste Frédéric Stoll, le danseur en sursis n’a pas d’autre choix que de composer avec cet espace étroit et oppressant, d’où il ne peut apparemment s’évader. Le personnage se déplace tant bien que mal, dans son costume noir, les mains dans les poches. Ses mouvements sont lents, souvent minimalistes. Puis d’un coup, le corps est renversé, écrasé, scotché au plafond… Le personnage est emprisonné dans un système magnétique et mécanique, qui contamine son corps et le robotise. Il lutte contre des forces d’attraction, sans y trouver d’issue.

En sursis
Dans cette ambiance kafkaïenne, en noir et blanc, plombée par un éclairage aveuglant, le danseur subit le poids de la structure rectangulaire dont le plafond tente de l’écraser. Pierre Rigal, ancien coureur de haut niveau et aussi cinéaste, use de tous les stratagèmes pour se faire la malle : il se contorsionne, ruse, amadoue la machine, se rebelle parfois… Dans ce combat singulier, il nous renvoie surtout en pleine face nos angoisses les plus profondes comme la claustrophobie, le cloisonnement, la solitude…

La musique émise en direct depuis les coulisses par Nihil Bordures contribue largement à alimenter le malaise, tant physique que mental. Oppressante, elle cadence cette histoire humaine et existentielle infernale, au rythme de sons électro dont le tempo martelé sonne lourdement, comme le bruit imperturbable d’une moissonneuse batteuse. Cette pièce très théâtralisée, nourrie d’absurde et d’illusions optiques, est une prouesse artistique et technique. Sa singularité constitue aussi un beau pied de nez aux grosses productions actuelles. Ici, le danseur, seul sur une scène dépouillée et réduite à un mouchoir de poche, crée l’étonnement et l’effroi avec pour seuls artifices un bras métallique qui l’observe et une chaise.

Monté début 2008 à Londres dans l’étroite salle du Gate Theatre, ce solo atypique a connu depuis un succès bien mérité aux quatre coins du monde : Sydney, Tokyo, Bangkok, New York…

Dans cette adaptation très visuelle, Nasser Martin-Gousset prend des libertés et bouscule les codes du célèbre conte pour enfants. Sans s’éloigner des figures emblématiques (le roi, la reine, la princesse, le prince et la sorcière), il restitue l’histoire de la dulcinée sous forme de mini opéra quelque peu clinquant. Ainsi, Nasser Martin-Gousset s’inspire des tubes des années 80 (Kylie Minogue, The Pippets…), ceux-là mêmes qui ont bercé son adolescence. Chaque personnage (danseur) « interprète » sa propre chanson, dont les paroles en anglais sont traduites en français et projetées sur grand écran, façon karaoké. Il dispose également sur scène un dispositif ingénieux composé d’artifices divers : écran vidéo, caméra, ombres chinoises, maquette (du château), lit king size (lieu de tous les symboles : lit nuptial, lieu de luxure, espace de rixes…) … La mise en scène inventive est séduisante. Les images foisonnantes restituent la dimension ambivalente du conte, à la fois féerique et inquiétante, propice à ravir petits (dès 6 ans, nous dit-on) et grands.

@Thomas Rollo

Question de chair
Derrière cette histoire très connue et bellâtre, se cache une trame bien plus inconvenante, grinçante même. N’est-il pas ici question de chair, comme le suggérait d’ailleurs la morale de Charles Perrault ? Pourfendant les clichés bienséants, Nasser Martin-Gousset se questionne : et si la naïveté apparente de ce conte cachait la quête du désir ? Celui du prince traversant au galop tel un guerrier la forêt d’épines, labyrinthe du désir ; celui aussi de la princesse qui l’attend en silence, isolée dans sa tour, mais dans « une passivité active, décidée et insistante » précise le chorégraphe. Le désir aurait même raison de la sorcière qui s’amouracherait secrètement du prince… Dans cette vision à contre-courant, la belle de nos souvenirs d’enfance a donc bien changé. Plus espiègle et farouche, la princesse (Axelle Lagier), parée d’une simple chemise blanche, adopte des attitudes d’adolescente insouciante, osant faire des siennes (des scènes aussi) devant des parents quelque peu crédules. Elle s’agite et danse avec désinvolture et exubérance sur le lit, érigé au centre de la scène, au nez d’un père désarmé. La scène est assez drôle, du moins enjôlée sur fond de musique acidulée. Tout aussi alerte, la scène de catch entre la sorcière (Vanessa Le Mat) hypnotique et le prince vigoureux (Mathieu Calmelet) est pleine de force. Autre beau moment : au terme d’un pas de deux très romantique entre le prince et la princesse, la scène du baiser culmine.

@ Thomas Rollo

Or, ces instants chorégraphiés chargés d’intensité et d’émotions se font trop rares et ne suffisent pas à cadencer une histoire qui traîne en partie en longueur et frôle parfois la niaiserie. A force de privilégier la narration et la chanson, le chorégraphe en néglige volontairement la danse. Il l’affirme d’ailleurs : « Dans le fond, cette pièce regarde vers l’esprit de l’opéra plus que vers les images du ballet ». C’est dommage.

« La scène est très petite, les corps sont formatés, maquillés et tout le travail consiste à avancer dans une création nouvelle tout en préservant l’esthétique d’Alain Bernardin ». C’est une évidence : le chorégraphe de Sombreros et des cérémonies
des JO d’Albertville a dû composer avec certains impératifs indissociables de ce haut-lieu des nuits parisiennes. Mais, cette exigence n’a pas pour autant bridé l’inspiration du créateur qui dissémine ici et là sa touche très personnelle. Dans les pas d’Alain Bernardin, l’inventeur du nu chic, Philippe Découflé a sans aucun doute réussi le pari de renouveler un peu le genre, avec le spectacle « Désirs », sans que le Crazy Horse y perde son âme, bien au contraire.

Crédit photo Richard Aujard

Evocations sans provocation
Les codes sont là, indétrônables. Ainsi, impossible d’échapper au traditionnel tableau d’ouverture, pimenté par des girls en tenues de Horse Gards et coiffées de leur incontournable couvre-chef. Mais la séquence se clôt de manière inhabituelle par un défilé d’ombres chinoises sur fond de couleurs criardes dévoilant le bataillon au repos. Première griffe signée Découflé. Autre nouveauté, plus inattendue : certaines séquences vidéos évocatrices font agréablement la charnière entre les tableaux : un paysage de fesses et de cambrures filmées s’impose sans une once de vulgarité. Les corps se dévoilent, se meuvent lentement, se frôlent même, avec un souci de l’esthétique surprenant. Une note d’humour s’introduit parfois avec bonheur au cours de ces intermèdes, comme le temps du passage inopiné d’une serveuse mutine qui déshabille au vol de son plumeau des photos de pin-ups érigées grandeur-nature sur la scène.

Crédit photo Richard Aujard

Parmi la dizaine de tableaux, quelques séquences offrent de belles surprises, portées par une mise en scène originale, laissant une large place à l’interprétation et à la danse. Ces tableaux, moins convenus et mécaniques, n’en sont que plus vivants et dévoilent le talent évident de ces danseuses, tout en faisant grimper progressivement la température sur le baromètre de la sensualité. Dans « La Crise », une secrétaire engoncée dans son tailleur strict pète un câble, effarée par l’annonce en boucle, sur un large écran vidéo, de cotes en bourse vertigineuses. Epatant. Sur une reprise de « Toxic » de Britney Spears (avec une version piano de la chanteuse Yael Naim), « Upside Down » offre un moment chorégraphié tout aussi inventif : trois girls effleurent avec grâce un long miroir installé en biais, dont les reflets composent un ballet de corps démultipliés enivrant. De quoi rougir de Désirs…