Le spectacle débute avec les quatre musiciens et le chanteur qui entrent sur scène en tapant chacun en rythme une canne sur le sol pour accompagner les danseurs, Melinda Sala et Julian Vicente alias « Kuky ». Puis musiques en chœur ou en solo se mêlent avec les danses endiablées. Durant tout le spectacle, les palmas accompagnent les danses flamencas.

La voix rauque de Luis de la Carrasca est empreinte d’émotion, de souffrance et sa tessiture vocale est plus dans la gravité et la profondeur que dans la force. Les corps tendus d’émotions de Melinda Sala et Kuky vibrent en rythme avec les taconeos. Une touche « classique » est apportée au spectacle. Marier le violon, avec Pascal Delalée, et le piano, avec Manolo Santiago, dans un spectacle de Flamenco n’est pas l’approche la plus courante. Cela tranche avec le Flamenco traditionnel où seuls le chant, la danse et la guitare rivalisent de concert. Le cajon, percussion péruvienne, avait été apporté par le biais du percussionniste brésilien Rubem Dantas et du célèbre guitariste Paco de Lucia dans les années 70.

Cannes et talons… en joue !
Le spectacle casse donc avec les fondamentaux du Flamenco même si la guitare, avec José Luis Dominguez, est toujours aussi présente et donne au spectacle une couleur chaude, profonde et le cajon, avec Enrique Santiago, une rythmique sur laquelle viennent se greffer les taconeos. On frôle parfois le spectacle musical noyant par intermittence les danses flamencas dans des solos instrumentaux. D’une danse aux allures chaudes et sensuelles, le violon et le piano apportent une touche fraîche au Flamenco. Le jeu de Melinda Sala est à cheval entre sensualité et force. Par des mouvements de corps, elle impose à sa danse un flamenco très présent et corporel. Sa danse est soutenue par un regard plongeant qui semble défier le spectateur. La sensualité est au rendez-vous avec un jeu de taconeo d’attaque et soutenu par des mouvements amples des bras. Kuky nous amène dans un rythme fait de tension où les déhanchements et le jeu de jambes et de bras cohabitent avec beaucoup de grâce. Le danseur a des mouvements rapides, fait de cassures de rythme. Chez lui, tout est élancé vers le haut, rapide vers le bas. Flamenco siempre est un spectacle au confluent de la modernité et de la tradition où le violon accompagne le taconeo et la grâce le talent.

C’est un cauchemar. Parmi les pires que chaque homme redoute et abhorre au cours d’une vie nocturne mouvementée. Pris au piège dans une boîte (sa chambre, la tombe qui le guette, la cellule d’une prison…), le dormeur cherche à s’évader, à sortir du gouffre. Mais il n’a pas le dessus, il ne voit pas l’issue. La tension monte d’un cran lorsqu’un plafond descend d’un niveau, puis d’un autre, filant sa victime pour la presser, la pressurer, l’oppresser… La pression atteint son paroxysme, jusqu’au réveil en sursaut du dormeur paniqué. La délivrance.

Crédit photo Frédéric Stoll

Créature robotisée
Dans « Press », le public revit la scène, les yeux ouverts. Il assiste au calvaire du danseur et chorégraphe, Pierre Rigal, dont les gestes millimétrés et déshumanisés rappellent par moments ceux d’un animal en cage, d’une créature engluée dans la toile subissant le supplice ultime. Comment va-t-il se sortir de cette impasse ? Peut-il échapper à son destin (mortel) ? Son heure a sonné. Enfermé dans une petite boîte rectangulaire, une ingénieuse installation mécanique conçue par le machiniste Frédéric Stoll, le danseur en sursis n’a pas d’autre choix que de composer avec cet espace étroit et oppressant, d’où il ne peut apparemment s’évader. Le personnage se déplace tant bien que mal, dans son costume noir, les mains dans les poches. Ses mouvements sont lents, souvent minimalistes. Puis d’un coup, le corps est renversé, écrasé, scotché au plafond… Le personnage est emprisonné dans un système magnétique et mécanique, qui contamine son corps et le robotise. Il lutte contre des forces d’attraction, sans y trouver d’issue.

En sursis
Dans cette ambiance kafkaïenne, en noir et blanc, plombée par un éclairage aveuglant, le danseur subit le poids de la structure rectangulaire dont le plafond tente de l’écraser. Pierre Rigal, ancien coureur de haut niveau et aussi cinéaste, use de tous les stratagèmes pour se faire la malle : il se contorsionne, ruse, amadoue la machine, se rebelle parfois… Dans ce combat singulier, il nous renvoie surtout en pleine face nos angoisses les plus profondes comme la claustrophobie, le cloisonnement, la solitude…

La musique émise en direct depuis les coulisses par Nihil Bordures contribue largement à alimenter le malaise, tant physique que mental. Oppressante, elle cadence cette histoire humaine et existentielle infernale, au rythme de sons électro dont le tempo martelé sonne lourdement, comme le bruit imperturbable d’une moissonneuse batteuse. Cette pièce très théâtralisée, nourrie d’absurde et d’illusions optiques, est une prouesse artistique et technique. Sa singularité constitue aussi un beau pied de nez aux grosses productions actuelles. Ici, le danseur, seul sur une scène dépouillée et réduite à un mouchoir de poche, crée l’étonnement et l’effroi avec pour seuls artifices un bras métallique qui l’observe et une chaise.

Monté début 2008 à Londres dans l’étroite salle du Gate Theatre, ce solo atypique a connu depuis un succès bien mérité aux quatre coins du monde : Sydney, Tokyo, Bangkok, New York…

Dans cette adaptation très visuelle, Nasser Martin-Gousset prend des libertés et bouscule les codes du célèbre conte pour enfants. Sans s’éloigner des figures emblématiques (le roi, la reine, la princesse, le prince et la sorcière), il restitue l’histoire de la dulcinée sous forme de mini opéra quelque peu clinquant. Ainsi, Nasser Martin-Gousset s’inspire des tubes des années 80 (Kylie Minogue, The Pippets…), ceux-là mêmes qui ont bercé son adolescence. Chaque personnage (danseur) « interprète » sa propre chanson, dont les paroles en anglais sont traduites en français et projetées sur grand écran, façon karaoké. Il dispose également sur scène un dispositif ingénieux composé d’artifices divers : écran vidéo, caméra, ombres chinoises, maquette (du château), lit king size (lieu de tous les symboles : lit nuptial, lieu de luxure, espace de rixes…) … La mise en scène inventive est séduisante. Les images foisonnantes restituent la dimension ambivalente du conte, à la fois féerique et inquiétante, propice à ravir petits (dès 6 ans, nous dit-on) et grands.

@Thomas Rollo

Question de chair
Derrière cette histoire très connue et bellâtre, se cache une trame bien plus inconvenante, grinçante même. N’est-il pas ici question de chair, comme le suggérait d’ailleurs la morale de Charles Perrault ? Pourfendant les clichés bienséants, Nasser Martin-Gousset se questionne : et si la naïveté apparente de ce conte cachait la quête du désir ? Celui du prince traversant au galop tel un guerrier la forêt d’épines, labyrinthe du désir ; celui aussi de la princesse qui l’attend en silence, isolée dans sa tour, mais dans « une passivité active, décidée et insistante » précise le chorégraphe. Le désir aurait même raison de la sorcière qui s’amouracherait secrètement du prince… Dans cette vision à contre-courant, la belle de nos souvenirs d’enfance a donc bien changé. Plus espiègle et farouche, la princesse (Axelle Lagier), parée d’une simple chemise blanche, adopte des attitudes d’adolescente insouciante, osant faire des siennes (des scènes aussi) devant des parents quelque peu crédules. Elle s’agite et danse avec désinvolture et exubérance sur le lit, érigé au centre de la scène, au nez d’un père désarmé. La scène est assez drôle, du moins enjôlée sur fond de musique acidulée. Tout aussi alerte, la scène de catch entre la sorcière (Vanessa Le Mat) hypnotique et le prince vigoureux (Mathieu Calmelet) est pleine de force. Autre beau moment : au terme d’un pas de deux très romantique entre le prince et la princesse, la scène du baiser culmine.

@ Thomas Rollo

Or, ces instants chorégraphiés chargés d’intensité et d’émotions se font trop rares et ne suffisent pas à cadencer une histoire qui traîne en partie en longueur et frôle parfois la niaiserie. A force de privilégier la narration et la chanson, le chorégraphe en néglige volontairement la danse. Il l’affirme d’ailleurs : « Dans le fond, cette pièce regarde vers l’esprit de l’opéra plus que vers les images du ballet ». C’est dommage.

« La scène est très petite, les corps sont formatés, maquillés et tout le travail consiste à avancer dans une création nouvelle tout en préservant l’esthétique d’Alain Bernardin ». C’est une évidence : le chorégraphe de Sombreros et des cérémonies
des JO d’Albertville a dû composer avec certains impératifs indissociables de ce haut-lieu des nuits parisiennes. Mais, cette exigence n’a pas pour autant bridé l’inspiration du créateur qui dissémine ici et là sa touche très personnelle. Dans les pas d’Alain Bernardin, l’inventeur du nu chic, Philippe Découflé a sans aucun doute réussi le pari de renouveler un peu le genre, avec le spectacle « Désirs », sans que le Crazy Horse y perde son âme, bien au contraire.

Crédit photo Richard Aujard

Evocations sans provocation
Les codes sont là, indétrônables. Ainsi, impossible d’échapper au traditionnel tableau d’ouverture, pimenté par des girls en tenues de Horse Gards et coiffées de leur incontournable couvre-chef. Mais la séquence se clôt de manière inhabituelle par un défilé d’ombres chinoises sur fond de couleurs criardes dévoilant le bataillon au repos. Première griffe signée Découflé. Autre nouveauté, plus inattendue : certaines séquences vidéos évocatrices font agréablement la charnière entre les tableaux : un paysage de fesses et de cambrures filmées s’impose sans une once de vulgarité. Les corps se dévoilent, se meuvent lentement, se frôlent même, avec un souci de l’esthétique surprenant. Une note d’humour s’introduit parfois avec bonheur au cours de ces intermèdes, comme le temps du passage inopiné d’une serveuse mutine qui déshabille au vol de son plumeau des photos de pin-ups érigées grandeur-nature sur la scène.

Crédit photo Richard Aujard

Parmi la dizaine de tableaux, quelques séquences offrent de belles surprises, portées par une mise en scène originale, laissant une large place à l’interprétation et à la danse. Ces tableaux, moins convenus et mécaniques, n’en sont que plus vivants et dévoilent le talent évident de ces danseuses, tout en faisant grimper progressivement la température sur le baromètre de la sensualité. Dans « La Crise », une secrétaire engoncée dans son tailleur strict pète un câble, effarée par l’annonce en boucle, sur un large écran vidéo, de cotes en bourse vertigineuses. Epatant. Sur une reprise de « Toxic » de Britney Spears (avec une version piano de la chanteuse Yael Naim), « Upside Down » offre un moment chorégraphié tout aussi inventif : trois girls effleurent avec grâce un long miroir installé en biais, dont les reflets composent un ballet de corps démultipliés enivrant. De quoi rougir de Désirs…

Waacking, voguing, house dance, hip hop… Let’s dance a pour ambition de faire découvrir au large public quelques danses urbaines, parfois peu ou mal connues. Bonne idée ! Portés par le danseur-chorégraphe Bruno Marignan, qui a rencontré en route des pointures telles que Poppin Pete, Storm ou Brian Green, sept jeunes danseurs exécutent une partition honnête. Les saynètes s’enchaînent avec précision et rigueur, sur des rythmes tantôt rétro (funk, dance), tantôt actuels (house music, électro). Le spectacle est plaisant, mais au final, on reste sur sa faim. L’ensemble trop scolaire ne séduit pas complètement. On attendait sans doute plus de cette jeune troupe : plus de pétulance, de fraîcheur, d’audace…

Des propositions timides
Malgré quelques beaux tableaux, le collectif ne parvient pas à insuffler une véritable énergie collective. A force d’être (trop ?) concentrés, les danseurs perdent de leur naturel et offrent des séquences, certes soignées, mais qui manquent de punch et de spontanéité. De débordements aussi. Quelques idées de mise en scène auraient dû pourtant inspirer le jeu des danseurs et leur offrir de belles occasions de s’exprimer avec plus de fougue et d’impertinence. Or, chaque proposition scénique est effleurée sans être totalement investie. Probablement par manque d’expérience. Un gars se voit refuser l’entrée d’une boîte de nuit : penaud, il tente d’insister et se fait vite renvoyer dans les roses par un colosse. Bon point : le public laisse échapper quelques rires. Puis, noir. On aurait aimé que ce passage théâtralisé, prétexte à maintes péripéties, se prolonge un peu, histoire de nourrir cette scène prometteuse. Dommage. Idem pour la séquence disco emmenée par trois danseuses et un danseur (PatJ) complètement à l’ouest, aux attitudes efféminées irrésistibles. Le danseur tient là un début de personnage cocasse et délirant : pourquoi ne pas pousser la caricature jusqu’au bout ?

Malgré une interprétation encore hésitante et fragile, parions que cette jeune troupe fraîchement constituée a de beaux jours devant elle. Tout est une question de temps, de pratique et d’expérience.

Des pas chassés, caressant le sol avec élégance et délicatesse, emportent le spectateur sur les traces de personnalités touchantes pour lesquelles, la ville de Buenos Aires, constitue le trait d’union. Dans un clair-obscur des années 30-40, un homme prostitue sa femme afin de plumer quelques aventuriers épris de la belle. Mais la vampire en rouge bémol, s’attire les faveurs, et enchaîne les nouvelles proies. Sur des airs de mandoline, un voyage de noce vers Rio se termine dans les profondeurs abyssales de l’Atlantique. Des mélodies à la Bee Gees, mêlés avec des airs à la Beatles, accompagnent les extravagances d’une actrice d’avant-garde pour qui le coup de foudre semble fatal.

Tandis que les «Trois Tangos » font tourbillonner les esprits singuliers, « Tatouage » retrace les épisodes épiques et douloureux de la vie de Miguel de Molina. Surnommé la « folle rouge » par les soldats républicains du régime franquiste, Miguel connaît la gloire à Buenos Aires où la tyrannie le rattrape et l’empêche d’exercer son art. Après plusieurs années d’exil, il rencontre Eva Peron, femme du président argentin, qui lui donne refuge. La rencontre entre ces deux « marginaux » lumineux et unique, donne le ton au style music hall de la partition.

Des rencontres émouvantes, drôles et colorés
Alfredo Arias revient au théâtre avec une création musicale colorée, émouvante et drôle, fidèle à sa conception du spectacle joyeux, élégant et touchant. Ayant effectué de nombreux déplacements à Buenos Aires, ces dernières années, l’auteur et metteur en scène a enchaîné les rencontres qui l’ont ramenées vers ses racines. Réalisant ainsi, un véritable carnet de voyage vers le passé, Arias exploite des sources d’inspiration particulières qu’il fait découvrir avec une générosité absolue. Que ce soit en écoutant la musique d’Axel Krygier, ou en lisant les Mémoires de Miguel de Molina, l’auteur restitue des univers assez lointains pour créer « Trois Tangos » et « Tatouage ».

Dans une ambiance musicale, toujours d’une extrême sensibilité, les personnages se racontent sans pudeur mais avec l’élégance du style que le grand maître leur a accordé. Les tonalités chaudes des voix suaves et gutturales qui se répondent sur le plateau, composent un ensemble chaleureux et attachant. Surpris ou attendri par la générosité du jeu des comédiens, le spectateur est bientôt saisi d’une envie folle d’acclamer la performance artistique de chacun. Un décor qui joue la carte de la sobriété, pour une réalisation haute en couleurs, où les costumes suggèrent, séduisent le regard intrigué par autant de vie et de douleur. Fardés comme des filles de mauvaises vies, les hommes de «Tatouage » se font l’écho d’une sensibilité, celle de Miguelito, en proie à sa marginalité. Aérien et précis, Alfredo Arias, se mêle au jeu avec un raffinement étonnant. Les femmes, au caractère bien trempé, font trembler la scène à chacune de leurs apparitions. Cette aventure musicale évolue au rythme d’une théâtralité exceptionnelle de charme et de drôlerie.

Ce créateur japonais renommé, fondateur de la compagnie Karas, collabore régulièrement avec de grandes structures internationales (le Nederlands Dans Theater, le Ballet de Francfort ou l’Opéra de Paris). Cet automne, il revient en France après sa tournée pour Glass Tooth avec un solo qui illustre sa virtuosité en tant que danseur, chorégraphe et plasticien.

Crédit photo Bengt Wanselius

Samsara scénique
Dans une scénographie épurée, il évolue, point orange solitaire dans un univers de lumières bleutées, flashs crus et agressifs ou longues ambiances cotonneuses. Ombre et lumière sont, tout comme la bande son, des composantes essentielles qui donnent à la danse sa signification complète. Ils évoquent la complexité de l’environnement de l’être humain, parfois oppressant, enfermant, et dont l’hostilité ne cède que devant le combat de l’homme pour imposer une situation d’équilibre. Cette interaction entre la danse, la musique et l’art plastique, ce duo magistralement orchestré entre art et technique, ouvrent un espace d’une puissance et d’une poésie rare. Un spectacle global qui démontre la création d’un langage original se démarquant autant de la danse moderne que du butô.

La beauté étrange des gestes et des déplacements, fluides ou saccadés, incarne une harmonie faite de luttes incessantes ; elle évoque la contrainte autant que la liberté. D’une précision et d’une élégance fascinante, le corps du danseur devient la calligraphie de la condition humaine et de l’aspiration à son dépassement. Le spectacle de Saburo Teshigawara dit l’humain et ses limites pour mieux le transcender. Il touche à l’universel. C’est une oeuvre rare, intense, envoûtante.

L’envie, Juliette Binoche l’a. Envie de danser, d’envahir le plateau, mais surtout de se donner et de mettre son corps à l’épreuve, de l’éprouver à la force de grands sentiments. Vaillante, elle se confronte à un nouvel art, la danse, et se plaît à mouvoir son petit gabarit avec ardeur. Sans prétention, mais avec sincérité, elle s’essaie à un langage corporel qui lui va plutôt bien. Aux côtés de son partenaire Akram Khan, danseur et chorégraphe anglais, l’actrice part à la découverte de ce corps chamboulé par des émotions fortes et quelque peu éprouvé par une traversée gestuelle ancrée dans l’immédiateté, entre danse et théâtre.

©Tristram Kenton

A la croisée de deux arts
Qu’on ne s’y méprenne pas : In-I ne s’apparente pas à proprement à un spectacle de danse. On aurait tort d’y sonder l’esthétisme et la précision du mouvement chorégraphié à tout prix. Car on ne s’improvise pas danseuse, Juliette Binoche le sait. Dans ce spectacle proche du théâtre dansé, les gestes surgissent abrupts et denses, emplis d’une énergie spontanée et affranchie en quelque sorte d’une rigueur esthétique despotique. Et, c’est là tout l’intérêt de cette expérience, où le corps se libère pour se laisser envahir, sur le vif, par des émotions et sensations controversées, parfois crues. Celles d’un couple à la dérive. Ce sont deux corps qui ne se retiennent pas, vibrent, vivent, souffrent aussi. Le spectateur assiste donc à la rencontre de deux arts et de deux êtres, prétexte à une exploration du corps et de l’intime, intitulée d’ailleurs « In-I » (qui signifie « dans moi, à l’intérieur de moi »).

©Tristram Kenton

En ce sens, Juliette Binoche est convaincante. Portée par son sens de la dramaturgie, l’actrice s’appuie sur ce qu’elle a de plus précieux : sa présence. Elle offre une interprétation qui n’a rien de glamour ni de précieux. Elle ne fait pas la belle, au contraire. L’artiste se plante là, sans artifice. On aurait presque tendance à le regretter. Parfois. A tort : car cette performance témoigne d’une véritable urgence à envahir le plateau. Juliette Binoche a une façon très brute de s’y camper. Enracinée dans le sol, elle fait front, avec une certaine rudesse qui sied, somme toute, à la violence des sentiments amoureux à laquelle le couple déchiré se livre. Ce spectacle tient de l’expérimentation, c’est une sorte d’atelier laboratoire. Dommage qu’il faille que cela nous coûte un bras (de 42 € à 82 € la place !) pour y assister.

Des silences longs pour faire bouillonner la danse qui monte crescendo. Dans une gestuelle saccadée, la danseuse fait des mouvements ressemblant à ceux d’une marionnette. Elle fait voyager sa robe sur son corps comme si elle n’était pas liée à elle. Et elle ne l’est pas. C’est un jeu de mime, de « magicienne ». Jouant de son costume comme d’un instrument séparé, elle s’amuse du rapport qui lie la danseuse à sa robe flamenca. Comme un dédoublement. Le tempo est lent. Le silence règne. Ou presque. Elle s’accorde sur les illusions d’optiques. La mise en scène d’Aurélien Bory est originale car elle est portée au début du spectacle par le silence et le recueillement, dénotant ainsi une mise à l’écart pour un moment des sonorités enjouées ou tristes du Flamenco. Le tempo est donné par le guitariste José Sanchez, et le chanteur, Alberto Garcia, qui de sa voix grave donne au spectacle une profondeur sans égal dans l’émotion. Sa voix contrebalance une guitare qui joue dans des sonorités rapides comme entrecoupées de notes de pluie.

Crédit photo Mario Del Curto

Sueur et fraîcheur
Le thème de la gestation semble récurrent dans ce spectacle. Gestation dans le premier tableau où la danseuse joue avec sa robe de Flamenco traditionnelle pour laisser transparaître un dessous moderne. Gestation lorsque la danseuse est dans une « case » vitrée dans laquelle elle semble s’entraîner en faisant des taconeos. Face à elle, un miroir. Ici, l’habit est civil. La sueur suinte à grosses larmes dans cette pièce close qui est fermée latéralement par une vitre transparente. Les vapeurs de sueur viennent se coller à la vitre voilant d’opacité la danseuse.

Retrouvant la fraîcheur d’une étendue d’eau, elle a délaissé ses habits pour une robe noire de modernité semblant ainsi délaisser définitivement le Flamenco traditionnel pour un Flamenco moderne. Abandonnant ainsi le contexte de cette danse pour retrouver une fraîcheur inattendue aquatique. Une danseuse à deux visages. Là dans l’eau, elle joue de mouvement saccadés et de taconeos flottants. Le spectacle est dans un dédoublement systématique. Le rapport de la danseuse à l’eau est à l’image du spectacle. Frais et rafraîchissant.

Danse métissée et musique enfiévrée… Révélé à la Biennale de Lyon en 1992, le spectacle continue son ascension pour séduire un public conquis d’avance. Conquis en se basant sur les clichés du Brésil qui balaye nos réflexions avant de rejoindre notre fauteuil. Le premier tableau ne nous détrompera pas. Un Brésil carte postal s’ouvre aux spectateurs touristes de la soirée. Un échafaudage en arrière plan car l’histoire se déroule dans un quartier populaire d’une petite ville du Minas Gerais, Uberlândia. L’échafaudage c’est un peu aussi la métaphore du Brésil en construction et de son peuple. La rue offre sa richesse à un petit groupe uni par la même volonté de réinventer un monde et qui danse leurs rêves, leurs désirs et leur désespoir parfois. Les percussions donnent le signal d’un décollage vers le rythme et la démesure. Le corps s’agite en samba, la tête dodeline en mouvement comme un petit grain de folie qui envahit l’air. La seule femme de la troupe, Sandra Mara Silva Gabriel, fait son apparition pour dompter en samba ses acolytes masculins. Le cadre correspond à nos attentes. Ivresse du rythme et joie ambiante. Un captatio benevolentiae qui attrape l’attention pour mieux nous ouvrir enfin les portes du vrai visage du Brésil et de son histoire.

Pépite brésilienne

Crédit photo Stéphane Kerrad