Qu’est-ce-qui vous a donné envie de monter Oiseaux?
« Sans doute le mystère qui parcourt l’écriture. C’est ce mystère et cette langue luxuriante d’une beauté si singulière qui m’intéressent. Saint-John Perse est considéré comme l’un des plus grands poètes français, si ce n’est le plus grand… on peut s’interroger sur le fait que son nom soit si célèbre, alors que ses textes ne soient pas plus connus, serait-ce à cause de ce mystère ? »

Quelle a été votre première rencontre littéraire avec Saint-John Perse ?
« Franchement, je ne me souviens plus… mais j’ai toujours été attirée par la poésie, avant Saint-John Perse, j’ai monté un spectacle pour exprimer ma passion pour les textes d’Apollinaire… »

Comment adapte-t-on de la poésie au théâtre sans perdre l’essence des mots ?
« Il ne s’agit pas d’une adaptation, mais plutôt de proférer le texte, au sens du « dire » à haute voix. Il s’agit de faire entendre le mieux possible le texte de Saint-John Perse, dans un partage avec le public. La mise en scène n’est là que pour favoriser cette écoute. »

Comment travaillez-vous avec la vingtaine de comédiens en scène?
« Nous travaillons beaucoup ensemble mais je leur ai aussi demandé d’arriver avec des propositions personnelles sur le texte qu’ils avaient à dire ? En fait, l’idée de la forme du spectacle est arrivée de façon inattendue, au cours de l’atelier de recherche que je dirige avec ce groupe de comédiens. Comme il est d’usage à l’atelier, Françoise Huguet, une des comédiennes qui composent le groupe de recherche – qui a une formation de danseuse – a proposé de diriger un échauffement physique, comme précédent à la réflexion dramaturgique. C’est en observant cet entraînement, et en remarquant la cohésion que le mouvement donnait au groupe, que m’est venue l’idée l’alterner chacun des treize chants du texte, par du mouvement. Le mouvement n’étant pas illustratif du poème mais en contrepoint, avec la fonction d’exprimer notre ressenti, notre émotion, notre cohésion, face au poème de Saint -John Perse. »

Quelles sont les principales difficultés que vous rencontrez dans les répétitions?
« Inventer une forme nouvelle qui soit en harmonie avec le poème, ce qui est très différent de la mise en scène d’une pièce, mais c’est ce défi que je trouve très excitant. »

Pourquoi avoir fait le choix d’une mise en scène choral?
« Il y a longtemps que je souhaite donner une représentation scénique de Oiseaux de Saint-John Perse et que je cherche quelle forme donner à cette représentation. Les tentatives que j’ai faites avec un ou deux acteurs, ne m’ont pas semblé apporter un éclairage très différent de ce que pourrait être l’approche silencieuse du lecteur. C’est à l’issue d’un atelier de recherche avec une trentaine de comédiens que j’ai dirigés sur l’engagement de l’acteur dans le “dire” de la poésie, au sein de l’Atelier René Loyon, que l’idée de faire un travail choral avec ce texte m’est apparue comme une réponse aux questions que je me posais. La multiplicité des voix et des interprétations m’a semblé répondre à la multitude de jaillissements d’images et de sensations que Saint-John Perse provoque avec ce texte. Et curieusement, l’incarnation et la “profération” du texte par un grand nombre d’acteurs le rend plus accessible. »

Quelle a été l’approche des comédiens avec le texte d’un auteur comme Saint-John Perse?
« Je crois qu’ils sont aussi fascinés que moi par le mystère du texte, et aussi par sa beauté. Et puis, c’est rare pour un acteur de n’avoir à dire que de la poésie dans un spectacle, et une telle poésie ! »

N’avez-vous pas eu la tentation de rejoindre vos comédiens en scène?
« Oh non, il y a trop à faire à les regarder et à diriger le groupe, et puis c’est un bonheur de les voir évoluer dans ce texte, si j’étais avec eux, je me priverais de ce regard d’ensemble. »

Y aura-t-il un après 11 septembre pour Oiseaux?
« Je le souhaite vraiment. Je voudrais que le travail que nous avons entamé se poursuive dans un esprit de recherche, et qu’il ne soit pas fixé dans une forme définitive. Le texte de Saint-John Perse est si complexe et si riche qu’on ne saurait s’arrêter à une seule interprétation, on peut poursuivre à long terme l’investigation de tous ses possibles. J’envisage que nous fassions des sorties de notre laboratoire de recherche et que cela se traduisent par des actes, comme les actes d’une pièce de théâtre, avec des performances présentées au public, construites avec les mêmes acteurs, sur les bases de la performance précédente, mais qui soient toujours différentes. J’envisage une forme de travail à géométrie variable, qui ne propose pas une production finie, mais qui soit évolutive et en transformation permanente, qui présente à chaque fois au public une performance unique, que le public sache qu’il assiste à une expérience qui ne se reproduira jamais, et donc qu’il participe, par sa présence et son regard, à l’inauguration d’un acte artistique inédit et en mouvement. »

Alice envisage la mort comme une porte de sortie acceptable à ses douleurs. Une envie qui se meut en obsession et en froide détermination malgré des freins émotionnels, comme la bénédiction de sa mère à obtenir ou des sursauts de vie par intermittence, qui ralentissent sa volonté de franchir la frontière. Pendant ce temps, de l’autre côté de la ligne de démarcation, le docteur Gustave Strom et son assistante, Éva, poursuivent leur combat pour aider, ceux qui en font la demande, à passer de l’autre côté du miroir de l’existence. Mais la machine bien huilée du protocole s’enraille pour flirter avec l’absurde des situations qui transforment le Dr Strom en névropathe du suicide assisté.

Crédit photo Jean Depagne

Fin de partie…
Un texte sulfurique de Lukas Bärfuss, une mise en scène sobre, où l’émotion trouve son espace, et rythmée en 24 séquences qui s’enchaînent sans temps mort, des comédiens justes qui ne tombent pas dans les clichés classiques sur le sujet, il n’en suffisait pas plus pour que le voyage d’Alice, en escale au festival d’Avignon, décroche le prix Adami 2011. Le théâtre se mêle à la réalité et la pièce trouve un écho dans l’actualité du moment. Le débat sur l’euthanasie revient avec insistance comme une urgence de poser des jalons à une demande naturelle des malades. La Suisse a pris les devants pour autoriser et encadrer le suicide assisté. Un progrès social qui attire les candidats à l’euthanasie d’autres pays moins cléments. Le combat du Dr Strom apparaît alors comme décalé et repousse les limites de la loi, qui n’est pas sans rappeler la nouvelle de Maupassant, L’Endormeuse, où le gouvernement, en réponse à la crise et à la pauvreté, proposait l’euthanasie comme un remède de masse efficace. Car, ici, il s’agit bien d’une euthanasie ouverte, non plus aux seules maladies physiques, mais aussi aux pathologies psychiques, les dépressifs comme Alice trouvant une solution finale à leurs maux. L’humanité du Dr Strom devient alors douteuse et teintée d’une obsession mortifère. Son cabinet se mue en antichambre du docteur Petiot où les prétendants à la mort finissent froidement avec un sac sur la tête pour achever le travail, les autorités interdisant l’exercice de la médecine au Sisyphe de la Suisse. L’ironie prend le dessus et met le spectateur mal à l’aise face aux frontières à ne pas dépasser. Frontière symboliquement délimitée au sol. Il suffit de quelques pas pour la franchir pour un voyage sans retour. Une trajectoire qui laisse à tous la possibilité d’ouvrir son horizon de réflexion.

Le voyage d’Alice en Suisse
De Lukas Bärfuss
Mise en scène de Yvon Lapous
Avec Nigel Hollidge, Yvon Lapous, Marilyn Leray, Florence Bourgès, Bertrand Ducher, Yvette Poirier
Jusqu’au 23 septembre 2011

Théâtre La Bruyère
5, rue La Bruyère, 75009 Paris
Réservations: 01 48 74 76 99
Site web

La première gorgée de spectacle met l’eau à la bouche. Un bouquet savoureux trouvant son origine contrôlé dans un mélange des genres réussi, gouleyant dans la langue et corsé dans les accords. Ce cabaret satirique trinque à la santé d’une planète en coma éthylique. L’humanité est passée à la loupe caustique de Jean-Marie Lecoq et s’accroche aux partitions endiablées de Clarisse Catarino. Les petites bassesses sont célébrées, le quotidien décortiqué et l’actualité passé au scalpel des trois comédiens et des trois musiciennes du groupe Djazz’Elles.

La terre entre dans la ronde
Au bonheur des hommes: le titre est aguicheur et donne envie aux dames d’aller soulever un coin du rideau pour découvrir un pan de cette joie de vivre de la bête humaine. Le rideau tombe laissant la place aux voiles colorés et exubérants des Djazz’Elles en roms qui attrapent le spectateur au vol. Le ton est donné, les musiciennes ne restent pas avec leurs instruments en fond de scène mais participent au succès de ce cabaret musical déjanté. Le public est lui aussi invité à donner son mot à ce spectacle participatif comme une démocratie artistique.

Une quinzaine de chansons pour aborder les sujets brûlants qui nous mettent facilement en ébullition, de l’identité nationale aux guerres de religion, du chômage aux inégalités en passant par l’écologie et la politique. Jean-Marie Lecoq fait un peeling intégral à la terre sans peur d’être trop abrasif et de gratter avec humour aux endroits éthiquement douloureux. Les mélodies envoûtantes composées par Clarisse Catarino apaisent les irritations et injectent une énergie à vous redonner espoir dans l’avenir avec des morceaux de jazz manouche qui enflamment la salle.

Le trio de comédiens (Véronique Ataly, Christian Gaïtch et Jean-Marie Lecoq) trouve un écho parfait au trio de musiciennes (Clarisse Catarino à l’accordéon, Éva Slongo au violon et la délirante Anne Gouraud-Shrestha à la contrebasse). Pas de temps mort dans une mise en scène excentrique qui laisse un espace de fantaisie conséquent à la palette de talent des trois comédiens-chanteurs qui se régalent, comme le public, d’un texte savoureux truffé de bons mots qui rajoutent du piquant au piment du spectacle. La terre ne tourne peut-être pas plus rond à la fin du cabaret mais le public aura trouvé son pré carré de bonheur!

Kaléidoscope social où trois comédiens, Catherine Creux, Nathalie Vairac et Eugen Jebeleanu, vont interpréter sur scène plus de dix-huit personnages. Les scénettes, teintées d’humour noir, s’attellent à dépeindre en clair-obscur le quotidien des laissés-pour-compte, écorchés vif ou border-line au bord du vide. Les scènes s’enchaînent comme une page que l’on tourne où les personnages nous racontent leur histoire en nous prenant parfois à témoin. Un récit comme une chute pour certains, pour d’autres, il révèle leurs petites bassesses ou entrouvre un peu plus grand leur faille.

Brèves on the rock
Pas le temps de reprendre son souffle. Le spectateur est happé par ces faisceaux d’existence, immergé dans ces tranches de vie qui plongent au cœur de la psychologie des personnages plutôt que de prendre le temps de l’intrigue. Ces désaxés du quotidien se livrent en patient sur le divan. Le public freudien reçoit leurs confessions ou leurs confidences sans juger, faute de recul temporel, mais en recevant l’émotion en pleine face. La mise en scène a heureusement programmé une oscillation constante du tensiomètre pour relâcher la pression par des scènes colorées de drôlerie. Texte au vitriol, trio de comédiens qui n’ont d’autres accessoires que leur talent pour composer une série de personnages en proie à leurs névroses, mise en scène empreint de sobriété qui s’articule comme des séquences cinématographiques, Microfictions fait partie du bon cru du festival qui nous fait boire les déboires de l’humain jusqu’à la lie.

Microfictions
Acacia Théâtre
Interprète(s) : Catherine Creux, Nathalie Vairac, Eugen Jebeleanu
Metteur en scène : Jean-Camille Sormain
Musique : Playbackdolls
Scènographie costumes : Velica Panduru
Lumière : Hoda Kerbage
Sons et vidéo : Jean-Camille Sormain
Assistante vidéo : Hoda Kerbage
A 12h15, jusqu’au 31 juillet

Théâtre du Bourg Neuf
5 bis, rue du Bourg-neuf, 84000 Avignon
Réservations: +33 (0)4 90 85 17 90
Site web