Inutile de préciser que l’on arrive aux Bouffes du Nord avec certaines attentes quant à la rencontre de deux monstres sacrés du théâtre français contemporain au service des textes caustiques de leur aîné. Cette rencontre est l’occasion pour les spectateurs de redécouvrir ou, plus surement, de découvrir l’univers absurde et les textes mordants de ce dramaturge et romancier français – par ailleurs inventeur du conomètre – ayant œuvré, entre la fin du XIXème et le début du XXème siècle, pour dénoncer la bêtise de ses contemporains. Fin observateur de son temps, l’auteur offre au travers de ses pièces en un acte la quintessence de l’imbécilité du quotidien, saisie depuis le bistrot parisien où il avait pris ses habitudes plusieurs années durant.

Crédit photo Joachim Olaya

Arsenic et vieilles dentelles
Dans un décor réduit à rien au milieu de la superbe salle du théâtre de Peter Brook, costume trois pièces, nœud papillon et partition de chef d’orchestre posée devant eux, les deux compères en imposent. Ouvrant le spectacle, le réjouissant et absurde texte 26 sur lequel Jérôme Deschamps invoque l’esprit délicieusement moqueur des pièces de la troupe Deschamps & Makeïeff offre un début prometteur. Pourtant, la plaisanterie potache tourne rapidement court et l’heure qui promettait d’être réjouissante s’étire péniblement. Sans chercher à repousser les limites de leur talent, sans parvenir à apporter une valeur ajouté au texte de Courteline, le couple Fau/ Deschamps se complait dans un comique forcé, sans finesse, souvent proche du pire du théâtre de boulevard. Même si les deux artistes qui n’ont rien à prouver s’amusent visiblement et que leur complicité est palpable, on regrette qu’ils ne se soucient pas plus de l’éventualité de perdre leur public en route. Les textes choisis s’égrainent, inégaux dans leur mise en scène, sans que l’étincelle ne vienne vraiment. Beaucoup de bruit pour rien ? Sans doute.

Courteline en dentelles
Textes de Georges Courteline
Mise en scène de Jérôme Deschamps
Avec Michel Fau et Jérôme Deschamps
Jusqu’au 25 juin 2011 au Théâtre des Bouffes du Nord puis en tournée
Du mardi au samedi à 19h

Théâtre des Bouffes du Nord
37 bis Boulevard de la Chapelle
75010 Paris
Site web
Réservations : 01 46 07 34 50

Un couple, une poignée d’altermondialistes, William Shakespeare et Jean-Luc Godard. Les pièces maîtresses de l’intrigue en place, le récit peut débuter : Anna et William se rencontrent à l’occasion d’une rétrospective Godard. Leur histoire serait sans doute née sous de meilleurs auspices, s’ils avaient été en mesure de déterminer s’il s’agissait de la projection du Mépris ou de Deux ou trois choses que je sais d’elle. La seule donnée fiable quant à cette rencontre est qu’elle a lieu un 5 août. Nos deux héros, obnubilés par les asynchronismes et les contradictions qui émaillent leur relation, laissent grandir entre eux l’incompréhension et finissent par passer à côté de ce qui devrait être leur histoire d’amour. Au travers de son récit, Paul Pourveur évoque les relations qu’on noue par défaut, le manque de certitudes quant à ses sentiments et quant à ceux de l’autre. Et de fait, l’ombre de la tragédie shakespearienne plane constamment au dessus du couple.

© Giovanni Cittadini Cesi

« William et Anna ont parfois l’impression que leurs conversations sont un problème mathématique. L’un part de la gare A à du 70km à l’heure, l’autre part de la gare B à du 120 km. Où vont-ils se rencontrer ? Vont-ils seulement se rencontrer un jour ? »

Drôle, amer et souvent juste, le texte de Pourveur dénonce tour à tour une société trop libérale et des individus trop prompts à se complaire dans l’évitement pour s’assurer un semblant de satisfaction. S’ils ne sont pas totalement épargnés, les clichés se font sourds, laissant toute la lumière à l’adaptation faite par les quatre membres du collectif Ildi ! Eldi.
Fragmentée et lacunaire, la pièce est mixée et remixée, offrant un rendu extrêmement vivant malgré le parti pris de faire une place importante à la narration. Passant d’un personnage à un autre, faisant glisser de larges panneaux qui composent et recomposent un décor coloré et abstrait, Sophie Cattani, Odja llorca, Antoine Oppenheim et François Sabourin, offrent une mise en scène originale et dynamique d’un texte ne manquant pas de relief. Intelligemment servi par des artistes complices, ce Shakespeare is dead, get over it! est réjouissant… Si Shakespeare est mort, il doit surement être temps de s’en remettre !

Shakespeare is dead, get over it!
de Paul Pourveur
Mise en scène et jeu : Sophie Cattani, Odja Llorca, Antoine Oppenheim et François Sabourin
Du 7 juin au 2 juillet à 20h30 (le dimanche à 15h30)

Théâtre du Rond-Point
2 bis, avenue Franklin D. Roosevelt, 75008 Paris
Site web
Réservations : 01 44 95 98 21

Crédit photo Guy Delahaye

Clôturant la saison 2010-2011 de l’Athénée, ce monologue extrait d’une nouvelle traduction du  texte d’Hermann Broch Les Irresponsables et mis en scène par Yves Beaunesne saisit le spectateur par sa justesse, sa violence et sa sensualité.

La scène se passe dans une chambre de bonne sous le toit éventré de la demeure d’un baron et de sa famille. Un locataire sans charme vaque à ses occupations lorsque pénètre dans la pièce la servante Zerline. Cette dernière entame un monologue qui se poursuit du crépuscule à l’aube. De cette logorrhée à la fois violente et captivante, ressort, par bribes, le récit de l’histoire des habitants de la maison : histoires de trahisons et d’amours sans beauté, féroces et sensuelles. Forte de ses blessures, Zerline évoque sans fard la faiblesse des âmes qu’elle a côtoyées. Clairvoyante et parfois encore aveuglée par ses désirs d’antan, la vieille servante met à jour le jeu des rapports de force qui se jouent dans les relations entre amants ou entre le maître et son serviteur.

« Ils étaient craintifs, oui, mais prudents, non ! »
Au-delà de la critique des masques dont se parent la bourgeoisie – dont il était lui-même issu -, Hermann Broch offre par ce monologue une analyse d’une finesse perturbante de la psychologie féminine. Dans la bouche de Marilù Marini, le texte traduit par Marion Bernède se révèle captivant. Qu’elle évoque les tourments de son âme ou le plaisir ressenti lors des étreintes avec son amant, cette Zerline aux traits durs et à la langue crue fascine son auditoire.

Dans le décor réalisé par Damien Caille-Perret, les couleurs sont douces, volontairement ternes. Délicatement nimbée par le jeu de lumière créé par Joël Hourbeigt, toute la scène semble se polariser sur la comédienne argentine qui illumine presque littéralement la pièce. Parfaitement rodée, la mise en scène délicatement chorégraphiée d’Yves Beaunesne est au service de son actrice et de la puissance du texte de Broch. Le résultat, est à la fois brutal et sensuel. Une réussite, tout simplement.

Le récit de la servante Zerline
D’ Hermann Broch
Mise en scène d’Yves Beaunesne
Avec Marilù Marini et Brice Cousin
Du 12 au 28 mai 2011

Théâtre Athénée- Louis-Jouvet
7 rue Boudreau, 75009 Paris
Site web
Réservations : 01 53 05 19 19

Crédit photo Cosimo Mirco Magliocca

Tout juste arrivé à Windsor et soucieux de maintenir son train de vie, Sir John Falstaff se pique de faire la cour à Mesdames Duflot et Lepage, deux respectables notables de la ville. En dépit du bon sens, il adresse deux lettres jumelles aux amies qui ne tardent pas à découvrir le pot aux roses. Décidées à punir le vieillard de ses vices, les deux matrones décident de feindre leur amour pour piéger et ridiculiser le grigou.

« Je trouverais 20 tourterelles lubriques avant de trouver un homme chaste ! »
A mi-chemin entre le vaudeville et le conte de taverne, on entre dans cette mise en scène comme on entrerait dans une étrange rêverie. Clin d’œil à l’univers fantastique du Songe d’une Nuit d’Eté, il se dégage du travail de Lima et de ses partenaires une poésie et un esthétisme proprement enchanteurs.
Si la mise en abîme des premiers instants tend à égarer le spectateur au milieu des rires tonitruants des personnages, la magie ne tarde pas opérer. Bientôt, des arbres en carton tombent avec fracas sur scène et les actes s’égrènent sans que l’on y prenne garde. Les acteurs rivalisent de drôlerie, maîtrisant un jeu toujours pertinemment à la frontière de l’excès. Parmi eux, on nommera Cécile Brune dans le rôle de Madame Lepage et Christian Hecq dans celui de Monsieur Duflot, Alexandre Pavloff et Loïc Corbery dans le rôle des prétendants de la jeune Anne Lepage. Il est également nécessaire de saluer le travail de traduction de Jean-Michel Déprats et de Jean-Pierre Richard parvenus à rendre toute la finesse shakespearienne. Dame Page et Dame Ford devenues Mesdames Lepage et Duflot, on chante Satisfaction en VF. L’esprit est là, les clins d’œil aux « temps modernes » aussi. En un mot ? Réjouissant !

Les Joyeuses commères de Windsor
De William Shakespeare
Mise en scène d’Andrés Lima
Avec Catherine Hiegel, Catherine Sauval, Thierry Hancisse, Andrzej Seweryn, Cécile Brune, Bruno Rafaelli, Christian Blanc, Alexandre Pavloff, Céline Samie, Pierre Vial, Christian Cloarec, Bakary Sangaré, Loïc Corbery, Pierre Louis-Calixte, Serge Bagdassarian, Benjamin Jungers, Christian Hecq, Georgia Scalliet, Camille Blouet, Géraldine Roguez, Armelle Abibou et Marion Lambert
Du 15 février 2011 au 22 mai 2011
En matinée à 14h et en soirée à 20h30

Comédie Française – Salle Richelieu
Place Colette, 75001 Paris
Site web
Réservations : 0825 10 1680

La pièce s’ouvre sur la mort de Drusilla, sœur du jeune empereur pour laquelle ce dernier éprouve un amour aussi absolu qu’incestueux. Débute alors sa folie : Caligula proclame que « ce monde, tel qu’il est fait, n’est pas supportable. J’ai donc besoin de la lune, ou du bonheur, ou de l’immortalité, de quelque chose qui soit dément peut-être, mais qui ne soit pas de ce monde. » Obsédé par une quête d’absolu supposée soulager ses souffrances, l’empereur torture ses sujets et se complait dans des plaisirs sadiques et avilissants. Mais si Caligula est le personnage central et éponyme de la pièce de Camus, les réflexions de ses proches, partagés entre compassion et haine, sont d’égale importance.

« Les hommes meurent, ils ne sont pas heureux. »
« Caligula consent à mourir pour avoir compris qu’aucun être ne peut se sauver tout seul et qu’on ne peut être libre contre les autres hommes » analysait l’auteur. Rappelant que ce rôle a d’abord été joué par Camus lui-même, il est difficile ne pas s’émouvoir de la proximité de l’auteur avec son personnage dans cette prise de conscience de l’absurdité de la condition humaine.

La mise en scène de Stéphane Olivié Bisson repose sur une esthétique romantique globalement convaincante, et ce, malgré une musique et des effets sonores parfois grandiloquents. Le décor est ingénieux. Entourant une scène vide, six piliers double-face et mobiles révèlent une scénographie soignée. Pourtant, on s’interrogera sur certains éléments : quelle symbolique donner à ces cinq crânes de cerfs surplombant un moment la scène ? On émettra également quelques réserves quant aux costumes : pourquoi vêtir l’entourage de Caligula d’une jupe par dessus leur costume et quelle nécessité y avait-il de faire pendre une guirlande cliquetante dans la chevelure déjà abondante de Caesonia – incarnée par la captivante Cécile Paoli ? L’espace d’une seconde, Certains détails soulèvent notre incompréhension avant d’être heureusement noyés dans une foule d’éléments plus convaincants.
Le jeu des acteurs est juste, mesuré. Certains regretteront un manque de tension dramatique, d’autres salueront la retenue des acteurs nous épargnant des déclamations chevrotantes. Pour ma part, je serais plutôt de ceux-là, considérant que la profondeur du texte de Camus justifie un jeu sans excès. Reste un texte dense, porté par une mise en scène cohérente.

Caligula
D’Albert camus
Mise en scène de Stéphane Olivié Bisson
Avec Bruno Putzulu, Gauthier Baillot, Claire Hélène Cahen, Clément Carabédian, Pascal Castelletta, Patrick d’Assumçao, Jean de Coninck, Maxime Mikolajczak, Cécile Paoli
Du 20 janvier 2011 au 5 février 2011 à 20h

Athénée Théâtre – Louis Jouvet
7 rue Boudreau, 75009 Paris
site web
Réservations : 01 53 05 19 19

Ce n’est pas sans quelques appréhensions que l’on se rend dans un théâtre à la programmation sinon inégale, du moins… éclectique. Mais que l’on se rassure : le répertoire de Feydeau revisité par Alain Françon ne peut être qu’un mariage heureux ! C’est donc la thématique de la vie conjugale que choisit de décliner celui qui fut le dévoué directeur du Théâtre National de la Colline de 1996 à 2010. Feu la mère de Madame, On purge bébé, Léonie est en avance et Mais n’te promène donc pas toute nue ! ne sont rien de moins qu’une invitation à découvrir le vaudeville dans son acception la plus noble.

crédit photo MichelCorbou

« Laisse-moi au moins l’entière satisfaction de ma souffrance ! »
Au travers de ses comédies de mœurs, Feydeau épingle les travers de la petite bourgeoisie tout en nous épargnant – le plus souvent – les lourdeurs des quiproquos inconcevables. Ses pièces dépeignent avec justesse les relations entre époux, entre parents et enfants, et entre individus de rangs différents. A la fois actuelles et désuètes, les créations de Feydeau offrent des répliques pleines d’esprit.

De fait, malgré un décor classique, la mise en scène est rythmée et les répliques fusent. Sans rechercher l’esbroufe, Alain Françon, Molière 2010 du Metteur en scène pour La Cerisaie, a pris le parti d’une mise en scène juste dans laquelle la scénographie semble reléguée au second plan, sans que l’on puisse vraiment sans plaindre. Au sens propre comme au sens figuré, le devant de la scène est occupé par une troupe d’acteurs de talent dont Philippe Duquesne, Eric Elmosnino ou encore Dominique Valadié, tous parfaits pour parvenir à jouer les saynètes fantasques imaginées par Feydeau sans sombrer dans l’excès et le ridicule. Le public, conquis, rit de bon cœur. Satire pleine d’esprit de la vie bourgeoise du début du début du XXème siècle, les textes de Feydeau, intelligemment mis en scène par Françon, sont le moyen le plus sûr de se réconcilier avec le vaudeville.

Du Mariage au Divorce : Feu la mère de Madame, On purge bébé, Léonie est en avance et Mais n’te promène donc pas toute nue !
De Georges Feydeau
Mis en scène d’Alain Françon
Avec : Anne Benoît, Philippe Duquesne, Eric Elmosnino, Judith Henry, Julie Pilod, Gilles Privat, Régis Royer et Dominique Valadié
du 11 janvier 2011 au 9 mai 2011, du mardi au vendredi 20h30, samedi 17h et 21h
Théâtre Marigny
Carré Marigny, 75008 paris
site web
Réservations: 01 53 96 70 30

La quarantaine terne, Harper Regan est une mère de famille vivant dans une cité dortoir entre une ado gothique surdouée et un homme au foyer. Après s’être vue refuser un congé pour retrouver son père mourant, elle décide, au risque de perdre son emploi, de se rendre au chevet de ce dernier. L’espace d’une parenthèse (des)enchantée, Harper s’affranchit de la pression sociale pour laisser libre cours à ses pulsions, rejetant la compromission et remettant en cause un équilibre familial précaire.

« Alors voilà, c’est un peu gênant pour moi, et peut-être aussi pour vous mais bon, c’est comme ça. »
L’introduction de la pièce laisse une impression en demi-teinte tant l’attention se perd dans cet univers de métal et de verre. Abstrait et froid à l’extrême, le décor de Csaba Antal est esthétique à défaut d’apporter quoi que ce soit d’autre à la création. L’usage du plateau tournant vient ajouter à la distanciation qui s’opère, rendant encore un peu plus difficile d’entrer dans l’univers que tente d’installer Lukas Hemleb. De fait, malgré la qualité des acteurs, on met un moment à saisir en quoi la pièce apporte un renouveau à la thématique de la femme soumise remettant un jour sa vie en question. Pourtant, délicate par sa triste banalité, l’histoire que narre Simons Stephens, auteur anglais qui fut notamment auteur associé au Royal Court Theatre de Londres, finit par touche le spectateur. La préciosité du texte repose dans sa fine mise en lumière des incertitudes, de cette vérité propre à chacun où la réalité se révèle mouvante.

Sur scène, les acteurs, tous parfaitement au point, assurent un jeu juste. Parfaite dans le rôle de la jeune Sarah Regan, la jeune Alice de Lencquesaing est la surprise de cette distribution de qualité. Tandis qu’après avoir incarné l’infantile Nora d’Ibsen, Marina Foïs poursuit sa route sur le chemin des femmes insatisfaites de leur condition. Mais alors que le texte d’Ibsen nous laisse avec une Nora libérée claquant la porte de sa Maison de Poupée, Harper Regan, plus nuancé évoque le voyage initiatique d’une héroïne à la normalité presque gênante. Sans coup d’éclat, la pièce de Simons Stephens renvoie simplement le spectateur à ses propres errances.

Harper Regan
de Simon Stephens
mise en scène Lukas Hemleb
avec Caroline Chaniolleau, Gérard Desarthe, Marina Foïs, Alice de Lencquesaing, Louis Do de Lencquesaing et Pierre Moure
du 19 janvier au 19 février 2011 à 21h

Théâtre du Rond-Point
2bis avenue Franklin D. Roosevelt , 75008 Paris
site web
Réservations : 01 44 95 98 21

Au centre de la dernière création d’Anton Tchekhov, trône Lioubov Andréièvna, mère de famille fantasque issue de la noblesse russe. Tel le fils prodigue, celle-ci revient sur le domaine familial après voir dilapidé sa fortune. Dans la joie des retrouvailles et alors que grondent les prémices de la révolution industrielle russe, son clan vit ses dernières heures de fastes. Adieux à l’innocence et remise en cause de l’ordre social, voilà le fil conducteur d’une pièce classique qui, à chaque mise en scène, ne cesse de pousser le spectateur plus loin dans l’introspection.

De bien joyeux adieux
Chez Paul Desvaux, l’espace de jeu est ouvert et le décor sans fioriture, déjà en friche : des pans de murs, un arbre en carton, le tout baigné par des jeux de lumières accentuant les harmonies de couleurs. Sa scénographie convoque la poésie de la suggestion.

Un domaine en ruine, une famille en perte de repères, le temps des adieux… les éléments-clefs de la pièce n’en font pas à proprement parler une comédie. Pourtant, jusqu’à la fin de sa vie, Tchekhov garda une grande tendresse et une réelle bienveillance par rapport à ses personnages. C’est ainsi qu’à contre-courant des mises en scène classiques, Paul Desveaux prend le parti de créer un univers chaleureux et accessible. Il parvient à entraîner l’œuvre testament là où on ne l’attendrait pas : du côté de la fête, de la couleur et des rires. Sans le moindre temps mort, une énergie communicative parcourt la scène. Presque constamment au complet, la troupe prend visiblement plaisir à la fête et séduit sans mal un public accoutumé à appréhender l’auteur russe au travers du prisme de la mélancolie.

De ce tourbillon, on regrettera seulement que l’énergie qui électrise la pièce nuise au potentiel dramatique des adieux de Fierce, le vieux serviteur. Mais là n’est pas l’essentiel, ce soir Paul Desveaux et ses acteurs l’ont démontré : Tchekhov peut être drôle… jusque dans ses retranchements les plus désespérés.

La Cerisaie
D’Anton Tchekhov
Mise en scène : Paul Desveaux
Avec Amandine Gaymard, Christophe Grégoire, Jean-Claude Jay, Fany Mary, Justine Moulinier, Océane Mozas, Maëlle Poésy
Du 25/11/2010 au 11/12/2010 à 20h

Théâtre de l’Athénée-Louis Jouvet
7 rue Boudreau, 75009 Paris
site web
Réservations : 01 53 05 19 19

Marchandant ses faveurs depuis l’enfance, Lulu manipule celles et ceux qui cèdent à ses charmes. Prostitution, gloire et déchéance marquent les étapes de la vie de cette créature que les hommes façonnent à leur idée avant d’être inéluctablement détruits par son emprise. A la fois victime et bourreau, cette héroïne ambivalente change d’identité face à chacune de ses nouvelles conquêtes. Sans jeter l’opprobre sur un personnage qu’il semble admirer, Wedekind magnifie cet objet de fantasme incapable de s’émanciper du désir des autres.

Crédit photo Elizabeth Carecchio

Délicieuse Lulu
Maîtrisant sur le bout des doigts le registre de la poupée manipulée, il est plaisant de retrouver la délicieuse Chloé Réjon déjà dirigée par Braunschweig dans le rôle de l’enfantine Nora d’Ibsen quelques mois plus tôt sur cette même scène. L’actrice paraît littéralement habitée par un personnage que le spectateur voir évoluer, murir puis se décomposer. La scénographie chez Braunschweig est comme à l’accoutumée froide et efficace. Tandis que les jeux de lumières et de miroir posent une ambiance de lupanar, l’usage du plateau tournant donne à la création une structure hachée apportant un rythme intéressant aux changements de scène. L’ensemble offre une bascule quasi-permanente vers un « envers du décor » inhospitalier.

Froide et sensuelle comme le Sex With Strangers de Marianne Faithful qui accompagne un moment le déhanché des personnages, l’adaptation est efficace et ce malgré une durée de 4 heures potentiellement décourageante. Et si aujourd’hui, la pièce de Wedekind ne choque plus tant par les tabous sexuels soulevés que par la détresse affective de l’héroïne, le choix de Braunschweig reste pertinent. Tristement pertinent.

Lulu
De Frank Wedekind
Mise en scène et scénographie de Stéphane Braunschweig
Avec Jean-Baptiste Anoumon, John Arnold, Elsa Bouchain, Thomas Condemine, Claude Duparfait, Philippe Faure, Philippe Girard, Christophe Maltot, Thierry Paret, Claire Rappin, Chloé Réjon, Grégoire Tachnakian, Anne-Laure Tondu
Du 4 novembre au 23 décembre 2010 ( à 19h30 les mardi, mercredi, vendredi et samedi, à 15h30 le dimanche)
site web

Réservations : 01.44. 62. 52. 52

Théâtre National de la Colline
15, rue Malte Brun, 75980 Paris

Olga, Macha, Irina et Andreï Prozorov vivent une vie terne dans la maison familiale située au cœur de la campagne russe. Malgré un quotidien seulement rythmé par les visites de militaires de la garnison voisine, la fratrie reste portée par l’espoir de retrouver une vie épanouie en rejoignant Moscou – la ville de leur enfance heureuse. Promesse de renouveau, la pièce s’ouvre sur les préparatifs de la fête donnée en l’honneur des vingt ans d’Irina, la benjamine. Pourtant sans qu’il ne soit jamais temps de le réaliser, les années défilent et les grandes aspirations se retrouvent éclipsées par l’immobilisme.

« Le temps passe et on dirait qu’on s’éloigne toujours un peu plus de la vraie vie. »
Tout en anticipant les évolutions de la société russe, Tchekhov évoquait au travers de ses écrits les tourments de ses contemporains avec la précision quasi-chirurgicale du médecin qu’il était également. A la fois bienveillant et d’une grande modernité, ses (anti)héros lucides et désespérés révèlent chacun différents aspects de la vérité. Tchekhov est parvenu à décortiquer le spleen qui étreignit une partie de la société russe à la fin du XIXème siècle en traitant de thèmes comme la recherche – vaine – de l’épanouissement dans le travail ou le nécessaire renoncement aux idéaux amoureux.

Volodia Serre souligne l’actualité de ces questionnements en proposant une mise en scène dont le classicisme est émaillé de touches de fantaisies de bon aloi. Ainsi, le joyeux Ring of Fire de Johnny Cash devient un thème récurrent de son adaptation et si les anachronismes pleuvent, c’est pour mieux rappeler la portée intemporelle des errements de ses personnages. D’ailleurs, on ne s’étonnera pas que le jeune metteur en scène ait pensé à ses trois sœurs à la ville pour incarner à ses côtés les membres de la fratrie Prozorov. Découle de ce choix – devrait-on parler d’évidence ? – une complicité palpable entre les trois héroïnes dont le jeu s’avère saisissant de naturel. Saisi par un rire grave, le spectateur plongera sans mal dans cette histoire de famille mélodramatique et néanmoins réjouissante.

Les trois sœurs
D’Anton Tchekhov
Mise en scène : Volodia Serre
Avec Jacques Alric, Olivier Bazaluc, François de Brauer, Carol Cadilhac, juliette Delfau, Mireille Franchino, David Geselson, Anthony Paliotti, Alexandrine Serre, Joséphine Serre, Léopoldine Serre, Volodia Serre, Jacques Tessier et Marc Voisin.
Du 4 au 20 novembre 2010

Théâtre Athénée Louis-Jouvet
Square de l’Opéra Louis-Jouvet
7 rue Boudreau, 75009 Paris
Réservations : 01 53 05 19 19
site web